El trabajo de toda una vida: Una entrevista con Renée Fleming

Tímida de niña, Fleming pensaba que de mayor sería profesora de música como sus padres. En lugar de eso, se convirtió en la soprano estadounidense reinante de su época, actuando en teatros de ópera de todo el mundo y ganando cinco Grammy. También ha destacado en otros ámbitos: grabaciones independientes, papeles en Broadway, cargos de asesora y directora artística en compañías de artes escénicas y un puesto de embajadora de la Organización Mundial de la Salud. Su proyecto más reciente es el comisariado de Music and Mind, un libro que explora el vínculo entre las artes y el bienestar. HBR: ¿Cuándo empezó a plantearse una carrera más allá de la docencia? Fleming: Todo se debió a la oportunidad. Tuve una educación estupenda: Escuela de Música Eastman, una beca Fulbright para estudiar en Alemania y luego Juilliard. Creo que todos los jóvenes deberían estudiar en el extranjero si pueden. Es una de esas experiencias que te abren el horizonte y te cambian la vida. Hizo que paso a paso me apasionara más aprender a cantar bien, y luego descubrir la historia europea y sus tres siglos de música, y luego explorar cómo cantar en muchos idiomas. Descubrí que me gusta que me desafíen intelectual y musicalmente, y fue una educación cultural fenomenal. ¿Cómo se convierte una chica tímida en una intérprete famosa? Empecé a emular a amigas cantantes que eran diferentes: no tan autocríticas, con menos dudas. Yo sentía que tenía que ser perfecta para triunfar, pero ellos no; al salir de cada audición, asumían que lo habían hecho fabulosamente bien. Pensé: déjenme aprender de eso. A menudo les digo a los jóvenes cantantes: "Si te sientes inseguro, actúa como otra persona. Adopta la personalidad de un intérprete que esté extremadamente seguro de sí mismo". A mí me ayudó. Funcionó. ¿Qué parte de su éxito atribuye al talento natural frente al trabajo duro? Dicen que el talento es el 10% y el resto es lo que pones en ello. Hay una tremenda ética de trabajo implicada en el canto virtuoso. No puedes levantarte un día y decir: "Tengo una gran voz. Creo que estaré en el Met la semana que viene". Sin embargo, si no tienes el talento -el instrumento, la voz- podrías poner el 110%, y no sucedería. Por supuesto, el talento es algo más que una voz. También es tener una musicalidad innata y un gran oído para el lenguaje, ser capaz de digerir la información con rapidez y tener los instintos y la imaginación que le permiten habitar el cuerpo de otra persona en el escenario. Describa su formación. Siempre he tenido la capacidad de coger lo que me funciona y dejar el resto, y eso es extremadamente útil. La gente puede enseñar canto a nuestro nivel de muchas maneras. Abarcan trescientos años de diferentes estilos de música de diferentes países que tienen todos diferentes reglas a su alrededor. Es una gran curva de aprendizaje. Algunas personas se tambalean porque van de profesor en profesor sin asimilar las lecciones. Uno también tiene que ser capaz de decir: "Trabajo mejor con alguien que utiliza la imaginería" o "Prefiero hablar de fisiología". Ese discernimiento -la capacidad de pedir y tomar lo que puedes utilizar- es un cierto tipo de inteligencia. Ha tenido episodios de miedo escénico. ¿Qué se lo provocó y cómo lo superó? Sí, es paralizante, y el peor periodo fue cuando mi carrera estaba en la cúspide, así que es increíble que lo superara sin reventar. Un par de cosas estaban en la raíz de ello. Una era un profundo malestar con el éxito. Los psicólogos lo llaman conflicto del éxito, y mucha gente quizá no lo conozca. Pero todos podemos señalar a famosos o políticos que han saboteado sus carreras con el abuso de drogas y alcohol u otras malas elecciones. Parte del problema es que te están llevando lejos de tus raíces y de tu zona de confort, quizá a un nivel de éxito que está mucho más allá de tus amigos y tu familia, y eso es incómodo. También estaba asumiendo demasiados trabajos nuevos, demasiados papeles nuevos. Tenía dos hijos pequeños y mi matrimonio estaba llegando a su fin. Así que el miedo escénico era la forma que tenía mi mente de decirme: " Da un paso atrás". Hizo falta mucha autorreflexión, terapia y apoyo para superar esa época. Ya no tengo miedo escénico. Pero nunca he olvidado cuándo lo tuve. Siempre está en el fondo de mi mente como una posibilidad. Así que pienso en estar preparada, en saber qué desencadena la ansiedad y en no sobreexigirme. Su gran oportunidad le llegó a mediados de la treintena. ¿Fue una espera frustrante? Siempre me estaba esforzando, así que sí. Todo el mundo que tiene 23 años quiere ser una gran estrella. Pero necesitaba más tiempo para reunir mis aptitudes y poder presentarme a las audiciones lo suficientemente bien. También necesitas una oportunidad: un empresario, alguien que dirija una gran compañía y que te diga: "Te elijo", aunque no seas la cantante que todo el mundo quiere en este momento. Esas primeras oportunidades son importantes, y luego tienes que cumplir, porque una vez que es obvio que vales, todo el mundo hace cola por ti. Parte de su éxito en la ópera ha sido conocer los papeles que le convienen. ¿Cómo encontró el carril adecuado? Hubo un tiempo en el que podría haberme desviado, pero no quería estresar mi instrumento. Quería longevidad. Una cosa que mi maestro me repetía constantemente era: "Canta sólo por tu interés, no por el principal". Significa que no se extienda más allá de su rango o volumen cómodo. Incluso si está cantando tan lleno o tan alto como puede, quiere asegurarse de que tiene una calidad saludable. Si se extiende demasiado, será un poco ronco, estridente, no tan agradable de oír y corre el riesgo de sufrir lesiones vocales. Cada voz es diferente. Usted sólo tiene el sonido que su cuerpo puede producir. Por eso los cantantes desarrollan seguidores de culto: Cada uno somos únicos. Cuando deje de cantar, no volverán a oírme. Así que tomé decisiones basadas en las instrucciones de mi maestro. Sin embargo, usted se ha adentrado en diferentes terrenos del canto. Sí, nunca he dejado de aprender, porque es algo que me encanta. Los mentores han sido increíblemente importantes. En Broadway fueron mis colegas, que eran muy listos, tenían una ética de trabajo extraordinaria y eran muy generosos. Me costó un par de semanas, pero al final pude seguirles el ritmo. Cuando se embarca en un proyecto, ¿cómo se sincroniza con sus compañeros? Es algo natural, así que déjeme pensar en cómo expresarlo con palabras. Yo diría que siendo colegial, apoyando, colaborando. No quiero que nadie me imponga su opinión, ni imponerles la mía. En el teatro hay reglas al respecto, no tácitas, sino reales. Sólo el director puede decirle a un intérprete lo que tiene que hacer. No se habla en los 30 minutos previos a la subida del telón. Han creado una estructura. En el mundo clásico no hay reglas, por eso tenemos divas y gente exigente que no son necesariamente colegas. La gente la ha descrito como una "no diva". Decidí a una edad muy temprana que nunca iba a infligir lo que estaba pasando a la gente que me rodeaba, no en un entorno profesional. Eso no significa que no me sienta incómoda o ansiosa. Simplemente tiendo a no compartirlo excepto con mi grupo más cercano y querido de amigos y familiares. ¿Cómo piensa ahora en su carrera? Estoy un poco en apuros porque no pensaba que estaría cantando tanto a estas alturas. Había sido estratégica a la hora de crear todo este otro trabajo que querría hacer a medida que bajara el ritmo. Así que ahora estoy haciendo malabarismos con cinco trabajos -la Ópera de Los Ángeles, el Kennedy Center, SongStudio en el Carnegie Hall, el Festival de Música de Aspen, Música y Mente- y actuando. Pero mi mantra es: "No pierdas de vista el premio". Soy muy práctica, pragmática y orientada a los objetivos. Así que cuando me canso o me siento frustrada, me pregunto: En todas estas cosas, ¿qué estoy intentando conseguir? Y entonces me digo a mí misma: "Puedes hacerlo. Sigue haciendo malabarismos, porque realmente amo todos mis proyectos y no quiero renunciar a nada. ¿Cómo trabaja con esas organizaciones que ha mencionado para estimular la innovación en las artes? Bueno, lo bueno de ser consultor o asesor es que tienes una visión a una milla de altura. Puedo barrer desde las giras y ver cosas que la gente que está allí todos los días no ve. Una de las cosas fue centrarme en el desarrollo del público, porque la asistencia a los espectáculos de artes clásicas ha ido disminuyendo. Por ejemplo, fue idea mía llevar el teatro musical y diferentes cantantes al escenario de la ópera, lo que ha tenido un éxito increíble. Tenemos estos espacios de actuación sagrados, dorados y hermosos y orquestas completas, así que invitemos a entrar a toda esta gente nueva. Y luego, quizá hayan venido a ver a Sting o a Andrea Bocelli, pero dicen: "Ahora que hemos estado aquí, ¿por qué no volvemos? Siempre he querido ir a una ópera". ¿Y la apertura de la música clásica a voces más diversas? Sí, eso está ocurriendo rápidamente. Tuve un colega que me dijo en 2010 que no conseguía trabajo como protagonista en ciertos territorios porque era negro, y me quedé estupefacto. Le dije: "En el siglo XXI, ¿me tomas el pelo?". Pensaba que estaba trabajando en un campo ilustrado y educado. Así que primero tuve que ser consciente de que había un problema. Y entonces pasé inmediatamente a la acción. Presiono para que haya diversidad en todos los trabajos que tengo, y ha funcionado para los papeles de cantante. Las orquestas también están trabajando duro. Ha sido más lento para la administración. Otra área de trabajo importante es la educación musical para todos los niños. ¿Cuándo empezó a centrarse en la interacción entre música y salud? Había estado leyendo sobre neurociencia y música, y conocí a Francis Collins [ex director de los Institutos Nacionales de Salud] y le dije: "Hola, soy nuevo en el Centro Kennedy, y creo que podríamos ofrecer una plataforma para la ciencia con nuestro público". También es un músico fantástico; toca, compone, canta. Dijo: "Claro, hagámoslo". Deborah Rutter, la presidenta del Centro Kennedy, se unió al proyecto, y el Fondo Nacional de las Artes también, y lanzamos Sound Health. Comenzó con un taller de investigación en los NIH en enero de 2017 y continuó con convocatorias en el Centro Kennedy que incluían actuaciones, paneles y presentaciones de investigación. Al principio pensé: " Esto va a estar muy por encima de mis posibilidades". Por el contrario, me inspiró una pasión por hacer más. De hecho, el pasado mes de diciembre celebramos una reunión con motivo del quinto aniversario para ver lo que se ha conseguido en materia de investigación sobre música y salud -desde el inicio de este proyecto, los NIH han dedicado más de 20 millones de dólares a este trabajo- y lo que queda por delante. Siempre que me contratan para un concierto o una gira, ofrezco a las organizaciones artísticas que lo presentan la oportunidad de hacer también un acto de Música y Mente en colaboración con una institución sanitaria local, un centro de terapia musical o artística, o un centro de investigación para concienciar sobre las conexiones entre las artes y la salud, compartir las últimas investigaciones y noticias de los programas y servicios locales, y fomentar relaciones de colaboración que perduren. El público los disfruta y aprende mucho. El libro es un regalo para todos los que llevan tanto tiempo trabajando en este campo. ¿Por qué debería la gente del mundo empresarial preocuparse por las artes y apoyarlas? Si piensa en lo rápido que está cambiando la vida -la ley de Moore, la IA, etc.- es abrumador. Nosotros, como seres humanos, no podemos absorberlo todo ni seguir el ritmo. Estamos asistiendo a una crisis de salud mental y a problemas en el tejido de nuestra sociedad. Así que creo que es importante permanecer conectados a cosas que todavía contribuyen a la cohesión social, y la experiencia artística compartida hace eso. De hecho, puede alinear nuestras ondas cerebrales. Por supuesto, no es una panacea. No es la respuesta a todo. Pero no debemos olvidar que, en el fondo, somos seres creativos que necesitamos conectar unos con otros.

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